Henry More

Es el representante por excelencia de la escultura actual: su actividad conecta la primera mitad del siglo con la segunda, en una combinación de tradición plástica y de novedad.

Mierle Lenderman Ukeles

Nacida en 1939, Denver , Colorado, es una artista conocida por su arte orientado al movimiento feminista . Como un Ukeles estudió historia y estudios internacionales en Barnard College y más tarde comenzó su formación artística en el Instituto Pratt de Nueva York.

En 1969, escribió un manifiesto titulado Mantenimiento Art-Propuesta para una exposición, desafiando el rol doméstico de mujeres y proclamando a sí misma una «artista mantenimiento». Mantenimiento, para Ukeles, es el ámbito de las actividades humanas que mantienen las cosas en marcha, tales como cocinar, limpiar y criar a sus hijos y sus actuaciones en la década de 1970 incluyeron la limpieza de las galerías de arte .

Uno de sus Saneamiento Touch más conocida proyectos (1970-1980), que participan dando la mano a más de 8.500 trabajadores de la ciudad de Nueva York Departamento de Sanidad mientras decía «Gracias por mantener viva ciudad de Nueva York.»

Robert Smithson

Él se identificó principalmente como pintor durante este tiempo, pero después de un descanso de tres año desde el mundo del arte, Smithson emergió en 1964 como un defensor de la emergente minimalista movimiento. Sus obras tempranas fueron exhibidas  collage obras influenciadas por » homoeróticas dibujos y recortes de revistas beefcake «, la ciencia ficción y los principios del arte pop .

En su nueva obra abandonada la preocupación por el cuerpo que había sido habitual en su trabajo anterior. En su lugar, comenzó a utilizar una hoja de vidrio y neón tubos de iluminación para explorar refracción visual y la duplicación, en particular Cámaras enantiomórficas la escultura. cristalinas estructuras y el concepto de entropía fue de especial interés para él, y comunicó una serie de esculturas realizadas durante este período, incluyendo Alogon 2. Smithson se afilió a los artistas que se identificaron con el, minimalista o de estructuras primarias en movimiento, como Nancy Holt, Robert Morris y Sol LeWitt .

Como escritor, Smithson estaba interesado en la aplicación de impersonalidad matemática al arte que se indica en los ensayos y las revisiones de las Artes y la revista Artforum y por un período era más conocido como crítico que como artista. Algunos de los escritos posteriores de Smithson recuperaron concepciones 18 y 19 siglos de arquitectura del paisaje que influyeron en los movimientos de tierra exploraciones fundamentales que caracterizan su obra posterior. Con el tiempo se unió a la Galería Dwan, cuyo dueño Virginia Dwan era un partidario entusiasta de su obra.

En 1967, Smithson comenzó a explorar las zonas industriales alrededor de Nueva Jersey y estaba fascinado por el espectáculo de camiones excavación de toneladas de tierra y roca que él describió en un ensayo como los equivalentes de los monumentos de la antigüedad. Esto dio lugar a la serie de los «no-lugares» en los que la tierra y las rocas recolectadas de un área determinada se instalan en la galería de esculturas, a menudo combinados con espejos o cristal. En septiembre de 1968, Smithson publicó el ensayo «La sedimentación de la Mente: Proyectos de la Tierra» en Artforum que promovió el trabajo de la primera ola de Land Art artistas, y en 1969 comenzó a producir piezas de land art para explorar más a fondo los conceptos obtenida de sus lecturas de William S. Burroughs , JG Ballard , y George Kubler .

Además de obras de arte, Smithson producido una buena cantidad de escritos teóricos y críticos, incluyendo el papel 2D trabajar un montón de idiomas, que trataba de mostrar cómo la escritura puede convertirse en una obra de arte. En su ensayo «Los incidentes de espejo de Viaje en Yucatán» documentos Smithson una serie de esculturas temporales hechas con espejos en determinados lugares de todo la península de Yucatán .

El interés de Smithson en lo temporal se explora en sus escritos, en parte, a través de la recuperación de las ideas de lo pintoresco. Su ensayo » Frederick Law Olmsted y el paisaje dialéctico » fue escrita en 1973, después de que Smithson había visto una exposición organizada por Elizabeth Barlow Rogers en el Museo Whitney titulado «Frederick Law Olmsted en Nueva York», según el contexto cultural y temporal para la creación de su difunto del siglo 19 diseño de Central Park. Al examinar las fotografías de las tierras retiradas para convertirse en Central Park, Smithson veía el paisaje árido que había sido degradado por el hombre antes de Olmsted construyó el complejo «naturalista» del paisaje que era visceralmente aparente a los neoyorquinos en los años 1970. Smithson estaba interesado en desafiar la concepción prevaleciente de Central Park como un anticuado del siglo 19 estético pintoresco en la arquitectura del paisaje que tenía una relación estática dentro de la estructura en continua evolución urbana de la ciudad de Nueva York . En el estudio de los escritos de 18 y 19 siglos tratado Pintoresco Gilpin escritores, Precio, Knight y Whately, Smithson recupera temas de especificidad del sitio y la intervención humana en forma de capas paisaje dialéctica, la multiplicidad experiencial, y el valor de manifestar deformaciones en el pintoresco paisaje.

Smithson implica, además, en este ensayo que lo que distingue al pintoresco es que se basa en la verdadera tierra Para Smithson, un parque existe como «un proceso de relaciones permanentes que existen en una región física» Smithson estaba interesado en Central Park como un paisaje que por la década de 1970 se había resistido y crecido como la creación de Olmsted, pero se estratificó con nuevas pruebas de la intervención humana.

Ahora el Ramble ha crecido en una jungla urbana, y al acecho en sus matorrales son «campanas, vagabundos, prostitutas y homosexuales», y otras criaturas distanciados de la ciudad …. Caminando hacia el este, pasé el graffiti en las rocas … En la base del obelisco junto con los jeroglíficos también hay graffiti. … En el aliviadero que vierte fuera de la pista de hielo Wollman Memorial, me di cuenta de un carrito de supermercado de metal y una papelera medio sumergido en el agua. Más abajo, el vertedero se convierte en un arroyo se atragantó con barro y latas. El lodo entonces arroja bajo el puente de Gapstow para convertirse en un pantano fangoso que inunda buena parte del estanque, dejando el resto de la aswirl Estanque con manchas de aceite, lodos y Dixie Cups »

Mientras Smithson no encontró «belleza» en las pruebas del abuso y la negligencia, lo hizo ver el estado de las cosas como demostrativo de las relaciones entre el hombre transformando continuamente y el paisaje. En su propuesta de hacer arte proceso de dragado de la laguna, Smithson intentó insertarse en la dinámica evolución del parque

Smithson se interesó particularmente en la noción de deformidades en el espectro de anti-estéticas dinámicas relaciones que veía presente en el pintoresco paisaje. Afirmó, «los mejores sitios para ‘tierra de arte» son los sitios que han sido interrumpidos por la industria, la urbanización imprudente, o la devastación propia de la naturaleza «. Si bien en los primeros del siglo 18 caracterizaciones formales de la pastoral y de la sublime , algo así como un «corte en el suelo» si se encuentra por un «mejorador de nivelación», como se ha descrito por Price, habría sido suavizadas y la composición entera devuelto a un contorno más agradable estéticamente Para Smithson, sin embargo, no era necesario que la deformación convertido en un aspecto visual de un paisaje, por su anti-formalista lógica, la más importante fue la cicatriz temporal trabajada por intervención natural o humano. Él vio un paralelismo con el Central Park de Olmsted como «silvestre» overlay verde en el paisaje empobrecido que precedió a su Central Park Al defenderse contra las acusaciones de que él y otros artistas tierra «cortar y arrancar la tierra como ingenieros del ejército», Smithson, en su propio ensayo, las acusaciones de que uno de tales opiniones «Fallo al reconocer la posibilidad de una manipulación directa orgánica de la tierra ..» y que «dar la espalda a las contradicciones que habitan nuestros paisajes»

En revisitando los 18 y principios del siglo 19 tratados del pintoresco Olmsted, que interpretaron en su práctica, Smithson expone hilos de un anti-anti-estética formalista lógica y un marco teórico de la pintoresca que se dirigió a la dialéctica entre el paisaje físico y su contexto temporal. Al re-interpretación y re-valoración de estos tratados, Smithson fue capaz de ampliar el contexto temporal e intelectual para su propio trabajo, y ofrecer sentido renovado por el Central Park como una importante obra de arte moderno y la arquitectura del paisaje.

Otros escritos teóricos explorar la relación entre una obra de arte a su entorno, de la que desarrolló su concepto de los sitios y los no-lugares. Un sitio era una obra situada en un lugar al aire libre específico, mientras que un no-sitio era un trabajo que se puede mostrar en cualquier espacio adecuado, tal como una galería de arte . Spiral Jetty es un ejemplo de una obra ubicada, mientras que Smithson no-sitio piezas consisten frecuentemente en fotografías de un lugar en particular, a menudo expuestos junto a algún material (por ejemplo, piedras o suelo) retirado de esa ubicación.

Los viajes que emprendió fueron fundamentales para su práctica como artista, y sus no-sitio de esculturas a menudo incluían mapas y fotos aéreas de un lugar en particular, así como los artefactos geológicos desplazados de esos sitios. En 1970 en la Universidad Estatal de Kent , Smithson creó Leñera parcialmente enterrada (1970) para ilustrar el tiempo geológico consume la historia humana. Su obra más famosa es la Spiral Jetty (1970), un 1,500 pies (460 m) de largo en forma de espiral muelle se extiende hacia el Gran Lago Salado en Utah construida a partir de las rocas, la tierra y la sal. Se sumergió en su totalidad por el aumento de las aguas del lago desde hace varios años, pero desde entonces ha vuelto a surgir. Las aguas del lago puede ser rosáceo debido a las altas concentraciones de β-caroteno en el halophyte verde alga Dunaliella salina .

En 1971 se creó Broken círculo / Spiral Hill por la exposición para el festival de arte Sonsbeek’71 en Emmen, Países Bajos. El tema de la exposición de 1971 fue Sonsbeek Más allá del césped y del Orden (holandés: Buiten de Perken).

El 20 de julio de 1973, Smithson murió en un accidente de avión, mientras que examinaba los sitios por su obra Amarillo Ramp en Tejas .

Akasegawa Ganpei

Es un seudónimo del  artista japonés  Katsuhiko Akasegawa nacido el 27 de marzo de 1937 en Yokohama . Él usó otro seudónimo Katsuhiko Otsuji para sus obras literarias .

Durante los años 1950 y 1960, Akasegawa se involucró en el Neo-Dada, junto con Ushio Shinohara , Shusaku Arakawa y Masanobu Yoshimura. Él formó el Centro de Hi-Red con Jiro Takamatsu y Nakanishi Natsuyuki durante este tiempo, que era un grupo de artistas que presentaron sus obras como un colectivo en Japón, se presentaron acontecimientos dentro del Centro de Hi-Rojo. Akasegawa también se asoció con el avant-garde .

En 1970 él utilizó la idea de Hyper-Art (chōgeijutsu), un objeto ordinario calle pero inútil que  pasó a obra de arte conceptual . Llamó Tomasons esas cosas,  y publicó fotografías de ellas en primer lugar dentro de la revista Jidai Shashin y más tarde en los libros.

Como «Katsuhiko Otsuji», recibió el Premio Akutagawa en 1981 por su cuento, «Chichi ga kieta». Akasegawa es conocido por muchos ensayos humorísticos, y su libro de 1998 Rōjinryoku fue un gran éxito.

Akasegawa es amante de las viejas camaras, especialmente las Leica , y desde 1992, se ha unido a Yutaka Takanashi y Akiyama Yūtokutaishi en los fotógrafos grupo Domei Raika , que ha celebrado numerosas exposiciones.

En enero de 1963, Akasegawa envió invitaciones a una exposición individual en una galería en Tokio . El anuncio fue entregado a varios amigos cercanos en un sobre de dinero en efectivo que se envió por correo a través del servicio postal. El propio anuncio fue un 1.000 – yen nota reproducida en colores monocromáticos en el frente, con la información pertinente relativa a la exposición de la parte posterior. Produjo cuatro más durante el próximo año.

En enero de 1964, sus 1.000-yen observar reproducciones parciales se notó por la policía y fue acusado de crear imitaciones de billetes provenientes de la Ley 1894 Control de la Imitación de divisas y de valores. El lenguaje de la ley era bastante vago, la prohibición de toda fabricación o venta de objetos con un frente exterior que puede «confundir en moneda o valores». En agosto de 1966, él fue a juicio por lo que se denominó el «Thousand-Yen incidente Bill». En junio de 1967, fue declarado culpable con tres meses de sentencia suspendida . Él apeló dos veces. La decisión fue confirmada en 1970.

Referencias

.Tomii, Reiko. » veredicto de culpabilidad: Akasegawa Genpei y el Trial 1000-Yen-Note «. 1997 Sesión 179:. A Public apasionadamente cuestiones sobre sí misma: Esfera Pública de Japón en la década de 1960 06 de noviembre 2006..

.Marotti, William A. » Simulacros y la subversión en el día a día:. 1000-yen Akasegawa Genpei de copia, arte crítico, y el Estado «Estudios postcoloniales: Cultura, Política, Economía 4.2 (julio de 2001): 211-239.

Bas Jan Ader

Bastian Johan Christian «Bas Jan» Ader,nacido el 19 de abril 1942 Winschoten,  fue un artista holandés, artista conceptual , artista del performance , fotógrafo y cineasta . Vivió en Los Angeles durante los últimos 10 años de su vida. Sus trabajos fueron principalmente presentados en fotografías o videos cuidadosamente filmados. Él también hizo instalaciones performáticas, incluidos Por favor, no me dejes (1969).  conocido por su trabajo en el arte conceptual, indagó a través de distintos medios: fotografía, video y performance.. Sus performances por lo regular eran acciones que lo llevaban a «perder el control», tema que trabajo durante casi toda su obra, esta propuesta fue la que lo llevó en 1975 a realizar su última acción, donde se subió en un bote y se fue a la deriva en el mar, mantuvo comunicación por radio tres semanas, pero luego de esto se perdió la comunicación, el bote fue hallado tiempo más tarde, pero el cuerpo de Ader nunca fue encontrado. Su trabajo empezó a cobrar popularidad a principios de 1990.

Enlaces externos

• new Bas Jan Ader footage on YouTube

• Here is Always Somewhere Else official website

• I’m too sad to tell you on YouTube

• Distinguished Alumni page from the Otis College of Art and Design

• Guppy 13 Sailboat

• «Here is Always Somewhere Else» at ReneDaalder.com

• Vanishing Act: The Unsolved Mystery of Dutch Artist/Filmmaker Bas Jan Ader – TCM Movie Morlocks

Douglas Hubler

Douglas Huebler creció en la Michigan rural durante la Depresión y sirvió en la Infantería de Marina en la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, financiado por la GI Bill, Huebler ganado sus grados de licenciatura y maestría en la Universidad de Michigan, y más tarde pasó a estudiar en la Académie Julian en París. Trabajó durante varios años como ilustrador comercial de arte en Nueva York, se estableció como un artista.

Inicialmente, un pintor, Huebler  produjo esculturas geométricas  en los años 60,  alineado con el movimiento minimalista. En 1969, participó, con Joseph Kosuth , Robert Barry y Lawrence Weiner , en una extraordinaria exposición de arte conceptual comisariada por Seth Siegelaub . Como parte del show, Huebler emitió una de sus frases más célebres: «El mundo está lleno de objetos más o menos interesante, yo no quiero añadir nada más.» A continuación, comenzó a producir obras en numerosos medios de comunicación a menudo implican la fotografía documental , los mapas y el texto para explorar el entorno social y el efecto del paso del tiempo sobre los objetos. Un ejemplo representativo de los primeros trabajos Huebler es Piece Duración n º 5 de 1969, una serie de diez fotografías en blanco y negro con texto adjunto, para documentar la pieza, Huebler estaba en Central Park y, cada vez que oía un canto del pájaro, señaló su cámara en la dirección de la llamada y el disparo de una fotografía. En 1971, comenzó a «Piece Variable # 70 (En proceso) Global», para lo cual propuso su intención «para documentar fotográficamente la existencia de todo el mundo vivo.» En los años 1980 y 90, Huebler comenzaron a incorporar la pintura en sus piezas de arte conceptual, creando un personaje que llamó «el gran corrector», que se llevó obras de maestros como Picasso , Matisse , Brueghel y El Bosco y trató de «hacer mejor. »

Huebler carrera académica se desarrolló por más de cuarenta años, fue profesor de arte en Bradford College en Massachusetts, y en Harvard. Huebler sirvió como decano de la escuela de arte en California Instituto de las Artes 1976 a 1988 donde influyó a una generación de artistas como Mike Kelley  y Christopher Williams. En 1989, se retiró a Cabo Cod, donde murió en 1997.

Referencias

. Finkel, Jori (2 de febrero de 2012) «Mike Kelley muere a los 57 años, artista de Los Ángeles contemporáneo» Los Angeles .

. Boucher, Brian (3 de julio de 2012). «Christopher Williams Exposición Voluntad Impacto Art Institute, el MoMA» . Art in

Shigeko Kubota

Nació en Niigata Japón, 1937. Actualmente vive en Nueva York , es una artista informal y realiza vídeos, performances e instalaciones.

Con formación en escultura en la Universidad de Tokio y posteriormente en la New York University y en la New School of Social Research, en Nueva York. Kubota desarrolla sus primeras obras a partir de los años sesenta, que incluyen vídeos, performances y videoesculturas. Entre las performances de Kubota, se destaca “Vagina Paiting” (1965), presentada en el contexto del “Perpetual Fluxus Festival”, en la Cinemateque, Nueva York.

Los primeros vídeos de Kubota reflexionan sobre las relaciones entre Occidente y Oriente a través de la construcción audiovisual en forma de diarios. El primero de la serie es “Europe on 1/2 inch a day” (1972), una visión muy particular de la Europa en los años setenta. Es participante activa del Movimiento Fluxus en los años sesenta, influenciada sobre todo por las ideas de Marcel Duchamp y John Cage, a los que dedica el vídeo “Marcel Duchamp y John Cage” (1972) y la videoescultura “Duchampiana: Nude Descending a Staircase” (1976).

Además, como otros videoartistas en los años setenta, se interesa por la manipulación de la imagen electrónica a través de sintetizadores como, por ejemplo, en el vídeo “Video girls and video songs for Navajo sky” (1973). En 1972 organiza junto con las artistas Charlotte Moorman, Susan Milano y Steina Vasulka, entre otras, el primer festival de vídeo femenino, en el espacio The Kitchen, en Nueva York.

La obra de Kubota es exhibida en diversos festivales y muestras internacionales, como en las ediciones sexta y octava de la documenta, en Kassel y en la Bienal de Venecia (1990).

Obras

• “Vagina Paiting” (1965), presentada en el “Perpetual Fluxus Festival”, en la Cinemateque, Nueva York.

• Allan ‘n’ Allen’s Complaint con Nam June Paik y Shigeko Kubota, 1982, 28:33, color, sonoro

• April is the Cruelest Month, 1999, 52 min, color, sonoro

• “Europe on 1/2 inch a day” (1972), 30:48 min, byn y color, sonoro

• George Maciunas With Two Eyes 1972, George Maciunas With One Eye 1976, 1994, 7 min, byn, sonoro

• “Marcel Duchamp y John Cage” (1972) 28:27 min, byn y color, sonoro

• Media Shuttle: Moscow/New York con Dimitri Devyatkin y Nam June Paik. 1978, 28:11 min, byn y color, sonoro

• Merce by Merce by Paik, Nam June Paik. en colaboración con Charles Atlas, Merce Cunningham, y Shigeko Kubota, 1978, 28:45 min, color, sonoro

• Merce by Merce by Paik Part Two: Merce and Marcel, Nam June Paik y Shigeko Kubota, 1978, 13:05 min, color, sonoro

• My Father, 1973-75, 15:24 min, b&yn , sonoro

• Rock Video: Cherry Blossom, 1986, 12:54 min, color, silencio

• Sexual Healing, 1998, 4:10 min, color, sonoro

• SoHo SoAp/Rain Damage, 1985, 8:25 min, color, sonoro

• The Last Videotapes of Marcel Duchamp, con John Sanborn 1976, 32:03 min, byn y color, sonoro

• Tiger Lives con Nam June Paik, 1999, 45 min, color, sonoro

• Trip to Korea, 1984, 9:05 min, color, sonoro

• “Video girls and video songs for Navajo sky” (1973), 31:56 min, byn y color, sonoro

• Video Installations 1970-1994, 1994, 19:47 min, color, sonoro

• Winter in Miami 2005, 2006, 14 min, color, sonoro

• You Can’t Lick Stamps in China colabora con Nam June Paik y Gregory Battcock 1978, 28:34 min, color, sound

• “Duchampiana: Nude Descending a Staircase” (1976).

On Kawara

Nacido el 02 de enero 1933 es un artista conceptual japonés.  Ha expuesto en numerosas exposiciones individuales y colectivas, incluyendo la Bienal de Venecia en 1976.

Después de graduarse de la Escuela Superior de Kariya 1951, Kawara trasladó a Tokio. Kawara vino a México en 1959 y viajó a través de Europa, se instaló en 1965 en Nueva York, donde ha sido un residente intermitente desde entonces.

Desde enero 4, 1966 ha hecho una larga serie de » Fecha «pinturas de la serie Hoy, que se componen enteramente de la fecha en que se ejecutó la obra en conjunto sencillo letras blancas sobre un fondo sólido. La fecha siempre se documenta en las convenciones lingüísticas y gramaticales del país en que se ejecuta la obra es decir, a partir de Reykjavik, Islandia, o «13 juin 2006,» de Monte Carlo «26 Ag 1995.»; el esperanto se utiliza cuando la primera lengua de un país no utiliza el alfabeto romano.

Las fechas en los cuadros, pintados a mano con precisión calculada, se centran siempre en el lienzo y pintada de blanco, mientras que los colores de fondo varían, las pinturas de los primeros años tienden a tener colores vivos, y tienden las más recientes para ser más oscuro en el tono. Por ejemplo, Kawara brevemente  utilizado rojo durante varios meses en 1967 y luego regresó a tonalidades más oscuras hasta 1977. Cuatro capas de pintura se aplica cuidadosamente por el suelo y cada uno dio tiempo suficiente para secarse antes de ser frotado en la preparación para las capas subsecuentes. Hay días en que hace más de una. Si Kawara no puede completar el cuadro el día en que se inició inmediatamente la destruye. Cuando una pintura de fechas no se exhibe, se coloca en una caja de cartón a medida para la pintura, que se alinea con un recorte de un periódico local de la ciudad en la que el artista hizo la pintura. Aunque los cuadros son parte de la obra, que rara vez se exhiben. Cada año, entre 63 y 241 pinturas son hechas.

Cada Pintura Fecha registrada en un diario y marcado en un One Hundred Years Calendar. Cuando Kawara termina una pintura, aplica una muestra de la mezcla de pintura que utilizó a un pequeño rectángulo que se pega en un gráfico en la revista. Debajo de cada color es un número que muestra la secuencia de la pintura en ese año y una letra que indica su tamaño. La revista tanto, registra los detalles del tamaño de la pintura, el color y el titular de un periódico, mientras que el calendario utiliza puntos de colores para indicar los días en que la pintura fue hecha, y para registrar el número de días desde el nacimiento del artista. Kawara ha creado pinturas de fecha en más de 112 ciudades en todo el mundo en un proyecto que está previsto sólo terminará con su muerte.

Al igual que la serie Hoy, Kawara utiliza el número de días, seguido de la fecha en que se ejecutó la obra como su vida-fechas. Así, el artículo titulado Título de la Galería Nacional de Arte tiene Kawara vida-fechas como 26 697 (27 de enero de 2006) que, cuando se calcula, lugar de nacimiento Kawara a 24 de diciembre 1932. Otras series de obras contemplan la que fui y conocí a una serie de tarjetas postales enviadas a sus amigos que detallan los aspectos de su vida, y una serie de telegramas enviados a varias personas que llevan el mensaje «estoy vivo». Entre 1968 y 1979, On Kawara creó su serie de información, me levanté, en la que envió dos postales desde su ubicación en la mañana. Todos los de la lista de tarjetas de tiempo del artista de levantarse, la fecha, el lugar de residencia y el nombre y dirección del consignatario otra serie de postales, me levanté a las de goma y sellado con el tiempo, se levantó por la mañana. La duración de cada correspondencia varió de una única tarjeta a cientos enviados consecutivamente durante un período de meses, la naturaleza repetitiva del gesto está contrapesado por peripatéticos vagabundeos globales del artista y horas en extremo irregulares.

Un millón de años

Un millón de años es una de las obras más conocidas del artista sobre el pasaje y las marcas de tiempo. Se hizo por primera vez en 1969, el año de la música Festival de Woodstock, grandes protestas civiles contra la guerra de Vietnam y el primer aterrizaje del hombre en la luna. La primera presentación de audio de la lectura de un millón de años se produjo en 1993, durante un año de duración Kawara de Exposición individual «Mil días un millón de años» en Dia Center for the Arts en Nueva York. Los visitantes pudieron escuchar un millón de años se lee, mientras se visualiza un millón de año y un grupo de pinturas de la fecha. El más largo de la lectura pública de un millón de años tuvo lugar en la Documenta 11 en 2002, donde los participantes hombres y mujeres se sentaron juntos en una caja de vidrio tomando turnos para leer las fechas de la duración de la exposición de 100 días. En 2004, el proyecto viajaron a Trafalgar Square en Londres para una lectura continua al aire libre que dura 7 días y 7 noches. Desde entonces, las lecturas y las grabaciones se han realizado en ciudades de todo el mundo.

Por sus cien años calendarios, Kawara, a partir de la fecha de su nacimiento, sistemáticamente marca cada día de su vida con un punto amarillo en los calendarios, y registra una pintura fecha completa con un punto verde (puntos rojos significan que más de una pintura se terminó en ese día determinado).

Conciencia Pura

En la Conciencia Pura, una exposición itinerante iniciada en 1998, prestó Kawara siete pinturas de fecha (1 enero hasta 7 enero 1997) a las guarderías y escuelas en Madagascar, Australia, Bhután, Côte d’Ivoire, Colombia, Turquía, Japón, Finlandia, Islandia , Israel, y los Estados Unidos. En todas las escuelas se cuelgan en las aulas, teniendo fechas que caen dentro de la vida útil de los niños.

Exposiciones

Primeras exposiciones Kawara incluyen la primera Exposición Nippon, en el Tokyo Metropolitan Art Museum, en 1953, y en las galerías Takemiya y Hibiya el año siguiente. Su trabajo fue exhibido en Dwan Nueva York Gallery en 1967, y su unipersonal exposición «Un millón de años» se mostró en Düsseldorf, París y Milán en 1971. Kawara trabajo fue incluido en Documenta 5 (1972), 7 (1982), y 11 (2002), en Kassel y en la Bienal de Tokio (1970), la Bienal de Kyoto (1976) y la Bienal de Venecia (1976).

Su obra ha sido incluida en muchas encuestas arte conceptual de la serie Información seminal en el Museo de Arte Moderno , Nueva York en 1970 para Reconsiderar el objeto de arte: 1965-1975 en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles en 1995. Exposiciones individuales de su trabajo han incluido el Otis Art Institute de Los Angeles, y el Centro Pompidou , París, en 1977, de continuidad / discontinuidad en el Moderna Museet , Estocolmo en 1980; Museo Boymans-van Beuningen , Rotterdam en 1991, el Centro de Día for the Arts, Nueva York en 1993, y el Museo de Arte de Dallas .

Libros de artista

Kawara ha creado varios libros de artista :

• Un millón de años, 1999, Ediciones Micheline Szwajcer y Michèle Didier (2 Volumes) [18]

• I MET, 2004, Ediciones Micheline Szwajcer y Didier Michèle (12 volúmenes)

• FUI, 2007, MFC-michèle didier (12 volúmenes)

• Me levanté, 2008, MFC-michèle didier (12 volúmenes)

George Brecht

Fue un artista conceptual y vanguardista compositor , americano,  así como un profesional químico que trabajó como consultor para empresas como Pfizer , Johnson & Johnson , y Mobil Oil . Él era un miembro clave del e influencia sobre, Fluxus , el grupo internacional de artistas de vanguardia centrados alrededor de George Maciunas , después de haber estado involucrado en el grupo de las primeras actuaciones en Wiesbaden 1962 hasta la muerte de Maciunas en 1978.

Uno de los creadores de ‘participativo’ del arte, en el que la obra de arte sólo puede ser experimentado por la participación activa del espectador, que es el más famoso por sus bandas sonoras de eventos tales como música Drip 1962, y es ampliamente visto como un precursor importante del arte conceptual . Él describe su arte como una forma de «garantizar que los detalles de la vida cotidiana, las constelaciones aleatorias de objetos que nos rodean, dejar pasar desapercibido «.

Primeros años

Brecht nació George Ellis MacDiarmid en Nueva York, 27 de agosto de 1926. Su padre, también George Ellis MacDiarmid,  fue un profesional flautista que había viajado con John Philip Sousa banda de marcha antes de instalarse en Nueva York a tocar el bajo flauta de la Orquesta de la Ópera Metropolitana y la Orquesta Sinfónica de la NBC . Después de la muerte de su padre de alcoholismo cuando Brecht tenía 10 años, se trasladó con su madre a Atlantic City , Nueva Jersey. Se alistó en el servicio militar en 1943, y fue mientras estaba estacionado cerca del Bosque Negro , Alemania, 1945, que cambió su apellido por el de «Brecht» – no «en referencia a Bertolt Brecht , sino porque le gustaba el sonido de la nombre «.

Después de la Segunda Guerra Mundial , estudió química en la Universidad de Filadelfia de Farmacia y Ciencia , terminando sus estudios y se casó con su primera esposa Marceline en 1951. Después de trabajar brevemente con Charles Pfizer & Co. como inspector de control de calidad, él tomó un trabajo como investigador químico de Johnson & Johnson en 1953 y se estableció en Nueva Jersey . En la década siguiente se registraría 5 patentes de EE.UU. y 2 compañeros de patentes incluyendo cuatro patentes de tampones .  Su único hijo Eric nació en Nueva Jersey en 1953.

Mientras trabajaba como químico (un trabajo que mantendría hasta 1965), Brecht se vio cada vez más interesados en el arte que explora oportunidad. Inicialmente influenciado por Jackson Pollock y Robert Rauschenberg – exposición de Rauschenberg de semillas de césped, Pintura crecimiento de 1954, dejó «una impresión significativa en él»- que comenzó a formular ideas sobre «regímenes método posibilidad de que eventualmente se pueden imprimir como folleto por la Something Else Press como Imagery Probabilidad (1957/66). La obra era «una investigación sistemática del papel del azar en el siglo 20 en los campos de la ciencia y el arte avant-garde … revelar su respeto por dadaístas y surrealistas proyectos, así como de los aspectos más complejos de la obra de Marcel Duchamp , a quien consideraba la encarnación de la «artista-investigador». Obras de este período incluyen sábanas de cama manchado de tinta que llamó Pinturas oportunidad.

En 1957, Brecht buscó al artista Robert Watts , después de ver su obra expuesta en el Douglass College , Rutgers University, donde enseñó Watts. Esto dio lugar a reuniones de almuerzo una vez por semana durante varios años en una cafetería de la universidad con laboratorio de Brecht. colega Watts Allan Kaprow también asisten regularmente a estas reuniones informales. Los debates de estos almuerzos llevaría directamente a la creación del Festival Yam, 1962-63, por Watts y Brecht, considerado como uno de los precursores más importantes de Fluxus. Las reuniones también llevó a los dos Brecht y Kaprow asistir John Jaula de clase ‘s en la New School for Social Research , Nueva York, a menudo conduciendo por juntas de New Brunswick.

Brecht estudió con jaula entre 1958 y 1959, mientras tanto él inventó y perfeccionó luego, la puntuación del evento que se convertiría en una característica central de Fluxus. Por lo general, Partituras de eventos son simples instrucciones para completar las tareas diarias que se pueden realizar en público, en privado, o negativa (es decir, la decisión de no realizarlos en absoluto). Estas ideas se examinarían y ampliado por La Monte Young , Yoko Ono y muchos otros artistas de vanguardia que pasaron por estas clases. [16] Los dos se conocieron originalmente en 1957, cuando Brecht oído que Cage tenía la intención de cazar setas en el área de Nueva Jersey, le llamó por teléfono y le invitó a «pasar y decir hola ‘. Jaula aceptó y devolvió la invitación, que era al mismo tiempo Brecht, Kaprow y sus familias estaban de visita en su casa en Stony Point on the Hudson, que Cage les invitó a asistir a sus clases en Nueva York. Irónicamente, los músicos encontrado el curso mucho más difícil que los artistas visuales que se habían inscrito;

«Cage … era muy vivamente una mente filosófica, no sólo la mente de un artista, y su sentido de la estética es secundaria y pensaba que era primordial Me impresionó de inmediato Así que pensé, bueno, a quién le importa si él es un músico y soy yo.. un pintor. Esto no es importante. Es la mente que trasciende cualquier medio .

«La tasa de deserción fue algo feroz. El resultado final fue que no había tipos músico muy pocos y la naturaleza de eventos de la clase se hizo evidente. Comprensión George Brecht de una situación íntima era mucho mayor que la mía. Necesitaba más espacio para trabajar realmente . Pero George cobró vida en esa situación ….. Se convirtió en un líder, e inmediatamente él influido no sólo a mí, sino a todos los demás:. Maclow Jackson, Higgins, Hansen George Segal detiene, y lo mismo hizo Dine , Whitman y Oldenburg «. Allan Kaprow [16]

Inicialmente escribir partituras teatrales similares a primeros de Kaprow Acontecimientos , Brecht volvió cada vez más insatisfecho con el carácter didáctico de estas actuaciones. Después de realizar en una sola pieza tal, Cage dijo en broma que él había «sentido nunca tan controlado antes». llevó a Brecht a recortar las calificaciones a haiku -como las declaraciones, dejando espacio para interpretaciones radicalmente diferentes cada vez que se realiza la obra. Brecht más tarde se referiría a Cage como su ‘libertador’, mientras que, en opinión de algunos críticos,  yendo más allá de la noción de Cage de la música, la jaula seguía escribiendo partituras a interpretar. Brecht había reemplazado esto con un mundo impregnado de música. «No importa lo que hagas,» dijo él, «siempre estás escuchando algo».

En octubre de 1959, recién llegado de estudiar con Cage, Brecht organizó su primera exposición individual en la Galería Reuben, Nueva York. Llamado Hacia eventos: un acuerdo, que no era ni una exposición de objetos o una performance, pero en algún lugar en el medio.  Consta de obras que hacían hincapié en el tiempo, las obras pueden ser manipulados por el espectador de varias maneras, revelando sonidos, olores y tacto texturas. Uno, Case, instruyó a los espectadores a desempaquetar el contenido y utilizarlos «de manera apropiada a su naturaleza». Este trabajo se convertiría en Valoche , los últimos múltiple que Fluxus George Maciunas, el «Presidente» de Fluxus, trabajaría antes de su muerte 19 años después.

En una anécdota contada frecuentemente usado para describir los orígenes de uno de los puntajes de Brecht eventos más personales, el artista recordó un incidente en el que su padre tenía un «colapso nervioso ‘durante un ensayo en la Metropolitan Opera Orchestra;

» soprano era molestando a todo el mundo con las rabietas durante los ensayos. En un momento determinado de la orquesta se estrelló en una séptima mayor y se hizo el silencio para el soprano y la flauta cadencia . No pasó nada. La soprano miró en el foso de la orquesta y vi que mi padre había tomado completamente aparte de su flauta, hasta el último tornillo. (He utilizado esta idea en mi SOLO FLAUTA 1962). George Brecht

El Festival Yam

Como el interés de Brecht en las puntuaciones del evento comenzó a dominar su salida, comenzó a enviar cartas pequeñas que llevan los resultados a varios amigos «, como pequeñas iluminaciones que quería comunicar a mis amigos que sabría qué hacer con ellos. »

Este método de distribución – que pronto se conocería como arte correo – se convertiría en la base para la construcción hasta el Festival Yam (al revés de mayo), mediados de 1962-mayo de 1963, organizado con Robert Watts. Los resultados enviados por correo se pretendía construir la anticipación de un mes serie larga de eventos que se celebran en Nueva York y en la granja de George Segal, Nueva Jersey. Que tiene una sección grande de los artistas de vanguardia, el festival se basa en la idea de operar «como una alternativa al sistema de galerías, la producción de arte que no se podía comprar». Los Artistas participantes en el festival incluyó Alison Knowles , Allan Kaprow, John Cage, Al Hansen , Ay-O , Higgins Dick, Karlheinz Stockhausen y Ray Johnson . El festival ha llegado a ser visto como un evento de proto-fluxus, que implica muchos de los mismos artistas.

Uno de los destinatarios de los mailings (así como un participante en el festival) fue de La Monte Young . Young, un músico que había llegado a Nueva York de septiembre de 1960 se ha pedido a invitado editar una edición especial de Beatitud Oriente en el arte avant-garde, que se desarrolló en el compendio seminal, An Anthology Of Chance  Brecht fue el primer artista que figuran en el compendio, el diseñador gráfico y editor del libro era George Maciunas, que había estado asistiendo a las clases de música mismas, aunque por ahora se les está dando por Richard Maxfield .

George Maciunas y los comienzos de Fluxus

Fluxus fue creciendo por amistad Maciunas con los artistas centrados en torno a estas clases, su concepción de Fluxus se basó en la LEF , una organización comunista creada en Rusia en la década de 1920 para ayudar a crear una nueva cultura socialista. Si bien es poco probable que Brecht estuvo de acuerdo con Maciunas políticamente, él estuvo totalmente de acuerdo con la noción de la situación profesional del artista, la de-privilegiando del autor, y apreció la capacidad Maciunas ‘en la organización y el diseño.

«La gente de Fluxus había entendido, como Brecht explicó que» las salas de conciertos, teatros y galerías de arte «eran» momificar «. En su lugar, estos artistas se encontraban «, prefiriendo calles, casas y estaciones de ferrocarril ….» Maciunas reconoció un potencial político radical en toda esta producción abiertamente anti-institucional, que era una fuente importante para su propio compromiso profundo a la misma. Implementación de su experiencia como diseñador gráfico profesional, Maciunas jugado un papel importante en la proyección sobre Fluxus cualquier coherencia que más tarde parece haber tenido «.

Brecht seguirá siendo un destacado miembro de Fluxus hasta la muerte de Maciunas, 1978. Su trabajo fue incluido en cada una de las principales actuaciones festum Fluxorum en Europa, 1962-63, en Fluxus 1 de 1963, el Anuario Flux primero, como parte de las diversas Fluxkits, recogiendo obras de la cohesión del grupo, y fue una parte clave de Flux actuaciones y los objetos hasta el Concierto Flux Clavecín, 1976 y los gabinetes Flux últimos. Una indicación de su importancia dentro del grupo se refleja en una carta de Maciunas a Emmett Williams , abril de 1963, relativa a los planes Maciunas había ido formulando con el intelectual marxista Henry Flynt ;

Fue Maciunas que concibe  Yam agua , una colección de alrededor de 70 de las puntuaciones de eventos de Brecht empaquetados en una caja de cartón  publicado en Wiesbaden , abril de 1963. El Fluxbox principio, estaba destinado a ser parte de una serie de cajas que contienen las obras completas de cada uno de los miembros de Fluxus. En consonancia con los principios de Maciunas, las cajas fueron contados ni bien firmado, y originalmente se vendió por $ 4.

Otras obras

Mientras que las piezas que hizo para la cooperativa Fluxus siguen siendo sus obras más famosas, él continuó exhibiendo obras de arte en espacios de la galería más tradicionales a lo largo de los años 1960 y 1970. Muchas de estas obras juega con la idea del readymade, tratando de conservar la funcionalidad de las piezas. Sillas ofrecen en muchas de estas obras, la primera fue Tres Eventos Silla expuso en la galería Martha Jackson, NY, 1961.

Tres Eventos silla

• Sentarse en una silla de color negro. Ocurrencia.

• Silla Amarilla. (Occurrence.)

• On (o cerca de) una silla blanca. Ocurrencia,

Primavera 1961

Para la exposición, la silla blanca en el clavo-iluminado en el centro de la galería con una pila de tres eventos Silla puntajes colocados cerca en el alféizar de una ventana. El presidente negro fue colocado en el cuarto de baño, mientras que la silla amarilla fue colocada afuera en la calle, y estaba sentado en por Claes Oldenburg madre ‘s – enfrascados en una conversación -. cuando Brecht llegó a la opinión privada [30] Una pieza más tarde , Silla Con Una historia de 1966, parte de un Brecht serie trabajado en Roma, ofreció una silla con un libro rojo colocado en él se invita al ocupante para añadir «lo que estaba pasando», como parte de un registro continuo de la historia de la silla. Otras series de obras abarcaron los signos – a menudo readymade – con frases sencillas, como por ejemplo en ‘Salir’ o ‘Aviso verde «grabado en una señal roja al lado de’ notificación roja ‘grabado en una verde.

Brecht comenzó una serie llamada El Libro de los Tumbler on Fire en 1964, y exhibió los primeros 56 en la Galería Fischback NY a principios de 1965, poco antes de salir de los EE.UU.. Las obras consistieron en collages enmarcados, hechas de cajas llenas de muestras de algodón, diseñado para mostrar «la continuidad de la diferencia de las cosas». Brecht perseguiría esta serie durante más de una década, con cada pieza que se conoce como un ‘page’ .

Europa

El Cedilla que sonríe

Maciunas decisión de un piquete Stockhausen concierto de Originale en agosto de 1964 se considera a menudo como el punto en el que el original, «heroico» era de Fluxus astillada, el movimiento parece haber enajenado Brecht que, si bien no cortar relaciones, salió de Nueva York en la primavera de 1965 para Europa, a pesar de la jaula presuntamente pasar una noche entera tratando de persuadirlo para quedarse.

Llegó a Roma , abril de 1965; desde allí se trasladó a Villefranche-sur-Mer , Francia , para iniciar una tienda, La Cedille qui Sourit, (El Cedilla que sonríe), con el artista francés Robert Filliou , otro miembro de Fluxus. El taller tenía por objeto explorar ideas acerca de la «relación obtuso (s) a la institución del lenguaje» , sino que marcó el comienzo de lo que describió alegremente como «inactividad creativa acelerada».

masa de tierra

Después de que la tienda se cerró en 1968, Brecht se trasladó a Londres, donde formó una nueva compañía, «Brecht y MacDiarmid ‘, que proponía una serie de desplazamientos que la masa terrestre. Como proyecto piloto, Brecht propuso trasladar la Isla de Wight hacia el oeste a Portland Bill .

«Uno de nosotros (GB) propuso en 1966 que el banco de hielo del Ártico pueden intercambiar con la Antártida, y en el invierno de 1967-8, en Londres, el cambio de residencia Inglaterra más cerca del ecuador se presentó. Esta intuición se vio reforzada por recientes estudios científicos que han demostrado que Inglaterra se inclina … a una velocidad tal que las zonas de Londres a 15 metros sobre el nivel del mar o menos se sumergirá en 1500 años de tiempo. Teniendo en cuenta que Londres ha sido un lugar habitado por lo menos 2000 años , esto no es tan remoto como un evento que parece. Desde esta perspectiva, Brecht y MacDiarmid están llevando a cabo investigaciones sobre la viabilidad de mover masas de tierra sobre la superficie de la tierra ….. Movimiento de la Isla de Wight sería un piloto proyecto para la translocación más grande de Inglaterra. «.

En noviembre de 1969, Cornelius Cardew ‘s scratch Orchestra  realizaron Realización de la Jornada de la Isla de Wight Hacia el oeste por Iceberg a la bahía de Tokio, una pieza basada en translocaciones de Brecht, en Londres. Otros movimientos imaginados incluido Cuba moviéndose junto a Miami , y de Islandia en movimiento junto a España .

Traduciendo el Hsin-Hsin-Ming

Como parte de su interés de por vida en el Zen Budismo, Brecht comenzó un estudio preciso del idioma chino con el fin de traducir el texto antiguo el Hsin-Hsin-Ming de Seng Ts’an , c600 AD, en 1976. El libro, publicado en 1980, incluía tres traducciones autónomas, una versión en Inglés de Brecht, uno francés por Filliou y una versión en alemán por A Fabri. También incluyó la caligrafía por Takako Saito .

Otras obras realizadas en este período incluyen una serie de cajas de cristal, que contiene cristales transforman constantemente, el rendimiento y una charla «con diapositivas, música y fuegos artificiales ‘llamado La química de la Música dado en el ICA ; El brunch del Museo, una exposición dedicada a las reliquias asociadas con el personaje ficticio WE Brunch, una obra de teatro titulada broadcast ‘Silent Music’ en la Radio de Alemania Occidental como parte de las celebraciones del 75 cumpleaños de John Cage, y 3 esculturas de gran formato, llamado Void Stones, encargado para el Skulptur Projekte Münster .

«La Química de Música y el Museo Brunch son dos de los tres proyectos que Brecht llamó» meta-creaciones «. La primera, de 1968, es una conferencia con diapositivas basado bajo el título La química de la Música, que ofrece una crítica del formato de conferencia como el método predominante de la enseñanza. El segundo, la instalación de San Antonio, se basa en extractos de una popular serie de novelas de detectives franceses por el autor de San Antonio . Los extractos consisten en una excéntrica colección de artículos muchos de ellos se encuentran en los mercados de pulgas francés, que materializan los detalles de las narraciones y que presentan una especie de antídoto contra la experiencia pasiva – en este caso, la absorción mecánica de la literatura barata. El tercer proyecto es el Museo Almuerzo, un ingenioso «exhibió objeto» de la vida y obra de WE Brunch, una figura imaginaria de «gran importancia histórica» inventado por Brecht y el artista Stephen Kukowski. Al igual que en el caso del modelo de conferencia y novedoso, este proyecto desafía las formas institucionalizadas de representación y difusión de la información «.

Últimos años

Si bien su trabajo continuado para ser incluido en una serie de exposiciones colectivas importantes, en 1989, él se refería a sí mismo como «se retiró del fluxus». Cada vez más solitario, que sólo permitió dos retrospectivas de su obra en los últimos 30 años de su vida, ambos fueron llamados ‘A Heterospective «(traducido libremente como» Colección de otredades’). La segunda, una exposición de museo de gran tamaño que se muestra en la Colonia y Barcelona, 2005-06, se inició con una simple señal marcada ‘End’ y terminó con otra que indica «Inicio».

En 2006 ganó el prestigioso Berliner Kunstpreis . Desde finales de 1971 Brecht vivió en Colonia , donde murió, después de varios años de mala salud, el 5 de diciembre de 2008. Su primer matrimonio terminó en 1963, se casó por segunda vez, al Hertha Klang, en 2002. Vivía con Donna Jo Brewer para un número de años transcurridos entre.

«John Cage parece pensar que si se pone en contacto la mayor cantidad de gente posible, ellos o alguien, va a entender. Creo que, si alguien entiende, se pondrá en contacto conmigo».

Robert Morris

Artista estadounidense. Encuadrado en la tradición del arte conceptual, explora las múltiples relaciones existentes entre la obra, el artista, el público y el espacio circundante, con una especial atención al proceso mismo de creación de la obra, en el que tanto el espacio como los materiales empleados se transfiguran poéticamente (Observatorios, 1971; Laberintos, 1974). En la expresión artística recurre a la utilización de formas simples, por lo que cabe considerarlo como uno de los precursores del arte minimalista a comienzos de la década de los sesenta y como autor de obras antiformales: arreglos de Fieltros recortados (a partir de 1967), amontonamientos de tierra y basuras (1968), bloques de piedra (1977). Autor también de series de dibujos como Blind Time (1986).

El «infame» 1974 construido por la propia carrocería cartel del arte de Robert Morris.

Robert Morris (nacido el 9 de febrero de 1931, Kansas City, Missouri ) es un escultor estadounidense, artista conceptual y escritor. Es considerado como uno de los teóricos más destacados del minimalismo , junto con Donald Judd , pero también ha hecho importantes contribuciones al desarrollo del arte de la performance , el minimalismo, el land art , el proceso de la técnica movimiento y arte de la instalación .

Carrera y obras de arte

Morris estudió arte en la Universidad de Kansas y en el Kansas City Art Institute y filosofía en la Universidad de Reed . Inicialmente, un pintor, el trabajo de Morris de la década de 1950 fue influenciado por el expresionismo abstracto y particularmente Jackson Pollock . Mientras vivía en California, Morris también entró en contacto con la obra de La Monte Young y John Cage . La idea de que hacer arte era un registro de la actuación de la artista (tomada de Hans Namuth ‘s fotos de Pollock en el trabajo) en el estudio llevado a un interés por la danza y la coreografía. Morris se trasladó a Nueva York en 1960, donde puso en escena un espectáculo basado en la exploración de los cuerpos en el espacio en el que una columna vertical cuadrado después de unos minutos en el escenario se cae. Morris desarrollado la misma idea en sus primeras esculturas mínimas Dos Columnas mostradas en el año 1961, y vigas L (1965).

Puerta de Bronce (2005) es una cor-ten estructuras de acero de Robert Morris. Está situado en el jardín del pabellón de diálisis en el hospital de Pistoia, Italia.

En Nueva York, Morris empezó a explorar la obra de Marcel Duchamp hacer piezas que directamente respondieran a Duchamp ( Caja con el sonido de su propia creación (1961), Fuente (1963)). En 1963 tuvo una exposición de esculturas mínimas en la Green Gallery de Nueva York que se ha escrito acerca de Donald Judd . En 1964 Morris diseñó y realizó dos obras célebres de rendimiento 21,3 en la que sincroniza los labios a la lectura de un ensayo de Erwin Panofsky y el sitio con Carolee Schneemann . Morris se matriculó en el Hunter College de Nueva York (su tesis de maestría fue sobre la obra de Brancusi ) y en 1966 publicó una serie de influyentes ensayos «Notas sobre la Escultura» en Artforum . Expuso dos vigas L en el 1966 seminal exposición » Estructuras Primarias «en el Museo Judío de Nueva York.

En 1967, Morris creó Steam, una pieza temprana de Land Art. A finales de 1960 Morris estaba siendo presentado en exposiciones en museos de Estados Unidos, pero su trabajo y sus escritos fue criticado por Clement Greenberg . Su trabajo se convirtió en mayor escala ocupando la mayor parte del espacio de la galería con una serie de unidades modulares o montones de tierra y sentido. En 1971 Morris diseñó una exposición para la Galería Tate que ocupaba toda la galería escultura central con rampas y cubos. Él publicó una foto de sí mismo vestido con S & M marcha en un anuncio en Artforum , similar a uno por Lynda Benglis , con el que Morris había colaborado en varios vídeos.

Él creó el Observatorio de Robert Morris en los Países Bajos, un «Stonehenge moderno», que identifica los solsticios y los equinoccios . Es en las coordenadas 52 ° 32’58 «N 5 ° 33’57» E.

Durante la década de 1970 después cambió a Morris obra figurativa, una decisión que sorprendió a muchos de sus partidarios. Los temas de los trabajos eran a menudo el miedo de la guerra nuclear . Durante la década de 1990 regresó a su trabajo temprano supervisar la reconstrucción e instalaciones de piezas perdidas. Morris Actualmente vive y trabaja en Nueva York.

Recepción de la crítica

En 1974, Robert Morris anuncia su exhibición en la Galería Castelli con un cartel que muestra su torso desnudo en sadomasoquista atuendo. Critic Amelia Jones argumentó que el cartel cuerpo era una declaración acerca de la hiper-masculinidad y la idea estereotipada de que la masculinidad equipara a la homofobia. A través del cartel, Morris equiparar el poder del arte con el de la fuerza física, específicamente la violencia.

Arte Robert Morris es fundamentalmente teatral. Su teatro es uno de negación: la negación del concepto vanguardista de la originalidad, la negación de la lógica y de la razón, la negación de la voluntad de asignar uniformes significados culturales a diversos fenómenos, la negación de una visión del mundo que desconfía de lo desconocido y lo no convencional.

• Nancy Marmer, «Muerte en Blanco y Negro: Robert Morris,» El arte en los Estados Unidos, marzo de 1983, pp 129-133.